曾为《阴阳师》、《明日方舟》等游戏提供插画，10年二次元画师分享职业进阶心得

丨即便你不从事美术相关职业，也能通过这份分享更好地理解职业发展和个人提升路径。

拥有独特美术风格的游戏项目，往往在上线前就能吸引相当多玩家关注，但想找到能表现独特风格的原画并不容易。

在上月举行的GGAC 2019 CG艺术家峰会上，2D组评委Krenz以《个人创作及画法的提炼分享》为主题，分享了他在个人创作风格上的探索经验。


Krenz在台湾从事美术教育产业多年，有10年自由插画师经验，在二次元领域，他是大触级别的画师。此前，他曾为《碧蓝航线》、《阴阳师》、《明日方舟》等游戏提供插画。


外界有人称Krenz的风格为“厚涂二次元”，按照Krenz此前的说法，他的作品“人物的画法和造型是比较像二次元画法，但透视、结构等方面是偏西化的风格，色彩、固有色偏印象派的处理手法。”


2015年，他在CG视觉艺术作品网站ARTSTATION的获赞数在全站排名第一，但就是那一年，他发现“已经掌握的作画方式既成为了生存技能，又阻碍了后期发展。”

于是，他要求自己在各种限制条件下进行绘画练习，如全程硬笔绘画、只能手动调整色彩数据；再比如尽可能不做塑造，靠构成和色彩搭配完成画面等等。

2016年，他又尝试用电绘模拟水彩画、素描等传统绘画的纹理，将摸索出来的技巧融合在原创作品中，形成了一种保有二次元味道，同时笔触和颜色厚度拥有传统绘画（如水彩）质感的个人风格。

此次演讲中，他分享了他2015年以来探索出来的电绘实用技巧、用电绘模拟水彩画纹理的要点，以及工作后如何继续提升技能水平的经验。

即便读者不从事美术相关职业，通过阅读Krenz的分享，也能更好的理解个人的职业发展和提升路径。


以下为笔者整理的演讲实录。

今天我的分享内容是如何形成个人创作风格。

2015年，我发现凭借已经掌握的作画方式，可以完成几乎所有的工作。这套作画方式虽然成为了我的生存技能，又阻碍了我后期发展。于是，我开始尝试用习作心态做一些作品，不追求完成度，也不要求符合我往常的风格。


当时我想得很清楚，要探索不同画法，失败也没关系。这是一张当时的习作。我限制自己不能用带压感或有渐层的笔刷，只能用“19号笔“。“19号”的特点是，你选择什么颜色，下笔就是什么颜色。


以前有同行曾表示，用硬笔画图进步最快，但说不清楚为什么。我画的时候发现，用硬笔刷需要画师掌握图片中所有颜色的准确数据，必须完全数据化。

我画下图左上部的色彩渐层时，先选基本颜色画一部分，再手动调明度等参数，一点点试出下一部分的颜色。


用有压感的笔刷画起来很容易，因为刷的时候会产生颜色的深浅变化，可以在其中选合适的颜色，但我要求自己只能手动调整数据。


再讲讲如何处理光的衰减。下面这张图，光从上方照到中间，往左右扩散的时候，A、B、C、D四个区块亮度会有差异。


我每画一笔都会手动调整数据，比如下图中间部分（见红框标示），我想画得更亮一点，吸取颜色发现数据是65，我会把数据升到66、67、68......一点点尝试，直到找到我想要的效果。


我这样画了4到5张习作后，发现只需要在原有亮度基础上拉高3-5度，就能实现差不多的效果。以前我画画主要凭感觉，很难和他人沟通，有时我只想让亮度提升4度，但别人可能理解成升高20度。

之前我的一些学生喜欢画厚涂，每次都用带压感的笔戳戳戳（见下图红框区域），戳2、3个小时，直到把整个脸部画出来。

我问他们，你能不能用线条把脸画出来？当他们尝试用线条勾画时，发现画得口歪眼斜，以后他们可能不会再尝试用线条勾画了，但我强迫自己要用不一样的画法，这样画有什么好处？


学习新事物肯定会出现暂时性的绩效下降，但掌握关键技术后，又会重新上升，中间会有一段时间往下沉。这种学习新技术下沉再上升的过程，能增加画法的多样性。

当大家下沉的时候，会有杠精批评你画的不如以前好，如果你用回之前的技法，他们又会抱怨看腻了。


下面这张图，我要求自己只能用简单的色块。图里的线全部都是用描边工具画的，我画了个色块，然后让它有边线，色块里面不能刻东西，所以前后黑白灰穿插要做得非常仔细。


放大图片会看到所有花朵都是点一个点，没画细节，系统自动帮我描边。我花了很多时间做类似实验，挑出一些参数，寻找真正对画面产生效果的东西。


后来我想看线条会对画面会产生什么影响，就画了下面这张图，图中所有形状都是拉色块，线条都是用描边工具画的，看起来有点像开发风格。


2016年，我开始研究用电绘表现传统绘画质感。


下图是澳大利亚水彩画家约瑟夫（Joseph Zbukvic）的作品，我想用电绘画出他的感觉，但是这张画变化太多，我一度以为做不到，只能尝试调整图片，寻找可能性。

我发现如果把图片明暗调到极限，这张图就会变成两层调子的图，两层调子基本上随着明暗交界线去画的，这种状态我觉得好像可以尝试一下。


我联想到传统美术中的“留白胶”，把白色区域遮起来，对未遮盖的部分上色，最后把胶撕掉，就能保留完整的亮的轮廓。我由此开发了一个做法，这张图全关掉给大家看，我之前画黑白，怎么画？


下图是我模仿的效果。


先看原始照片，当时我也不知道怎么画，就用阈值调成全黑白。


电绘里随机色块很难实现，如果直接用笔刷去刷，色块排布会遵照笔刷的方向，但我先开一层阈值，第一阶段遮罩在阈值底下画，画出来的色块排布就有了随机性。有了随机性，就能画出一些类似水彩中干笔的纹路效果。


做出这样的效果之后，我再将它们全部合并，去焙，再把黑、白分开，就会出现黑、白两层图层。


之前的硬笔练习，让我理解了灰阶的明度值数据，后来我再看图片，会下意识用数据化的方式去解读。

在我看来，下面这张图这里大概50，这边大概80，这边是90，这里是20，这是60左右。很多图片明度在50左右，大部分中灰色调在40-60的区间。


有了数据概念，我在那张画中，用一个比较大的笔刷，选一个50左右的色彩去刷，把调子先刷上去。


水彩微妙的冷暖怎么做？开一个新图层，用正片叠底的图层配上正片叠底的笔刷，每次用一个非常亮且偏暖的颜色轻轻刷一笔，就会带来一点点暖色的影响。

因为每一笔是正片叠底，所以每笔都会给色彩带来改变，我再用非常亮且偏冷的颜色刷，画面就有了微妙的冷暖。


打底需要很多色彩变化，我会直接用大喷枪，搭配两种图层效果去做，一个图层效果是正片叠底，另一个是滤色，滤色通常用来画空气。

怎么画空气？选一个滤色的图层，选一笔暖色，然后再刷冷色，可以画出空气中因为光的折射带来的冷暖变化。


我每一笔换一个颜色，由于笔刷有笔触方向，就像一束光从这里洒下来。这种方向性是从素描学到的。


暗部处理完再回到亮部，分开处理就简单很多，用正片叠底的图层和正片叠底的笔，一层层罩上去，再用非常亮的颜色，红色已经有了，我们这次选一点点偏黄的，再加一点点冷色。


最后找一些带纹理的笔刷，加一点点就好了，再对数据进行微调，我每次只降1-2明度，这样就产生了颗粒感和纹理。

当时我还研究怎么做出水彩的干擦效果，发现如果把笔刷改成铅笔工具，刷出来的效果全部都是白的，很接近干擦的感觉。


因为水彩的不可控性很高，既然我能用电绘产生类似水彩的效果，模仿其他传统绘画的质感肯定也是可行的。

我做过很多挑战读者的事情，下面这张画边缘几乎都是松散的，我没有画实体，想测试大家能够接受多松散的图。后来我发现人们不喜欢很松散的图，又把画面收紧了。


我研究过怎样不画结构还能画出腹部，因为不画结构能够节省很多时间。当大家都在画结构的时候，你如果不画结构，画风会比较特别，更容易被市场记住。


我用下图做过测试，想看看这种素描风格图片是否能在保留形状的同时，又有那种排列的感觉。

这里分享一个万能的复形画法，你只要把黑白画出来，然后在亮的地方把调子铺回去，暗的地方也把调子铺回去，就得到了一个形状没有松散掉的图，再慢慢把细节填充上去。


我后来发现一个规律，有些画作的远景不画任何内容物，我称为“画空气”，靠的是将远景的剪影做得很仔细，但它不会画一座很干净的塔，而只是用一些小的碎点，这些小碎点反映到人的眼中，就会觉得远景有细节。

人对细节的感知来源于最小用笔单位，画面中的最小颗粒，是人判断画面是否精致的依据。

理解了这个细节，只要剪影画得好，远景没烦恼。我就把黑色画好，在里面刷一大堆颜色变化，但前景必须要把体积画出来，人有明暗交界线。前景画体积，后面画空气。


我在这张图尝试把水彩效果整合到自己的插画中，将前景人物画好，背景想尽办法不要把士兵画出来。


我发现，在士兵轮廓里面刷纹路是不够的，还要有笔刷方向，产生一种阳光洒下来的感觉。我刷了很多有排线的笔刷，再用旗帜做出暗示，最后将远景人物加一点点顶光，暗示这边有体积。


因为这些探索，2016年我的绘画风格出现了改变，当时有人问Krenz画的图怎么变松了？甚至有人说K大的图都是收不紧的，但练习一定会遇到暂时性绩效下降和杠精，要做好心理建设。

2018年后，我就可以不用遮罩的技巧，直接通过手刷做出类似效果。通过之前的练习，我知道如何保留纹理，不用把画面画得非常紧，不用刻画细节，通过色彩变化，让人感觉画面非常细致。

下图远景中有很多小点，能让人感觉画面拥有细节。细节感不在于脸部刻画得多细，而是在于人们会把画面中的最小色块当成细节，我花了很多时间在画面里做小碎点，小碎点一上去就出效果了。


最后，我想和大家分享一些学习过程中的体会。

做插画需要知道明暗交界线、色彩、笔刷、笔触、素描纹理、造型......你学习的过程中会临摹别人的技法和风格，这些知识是碎片化的，你自己要将知识整理成系统性结构。

我早年临摹《七龙珠》，只知道漫画里眼睛、鼻子的画法，不知道为什么这么画，后来学习了透视和结构，才知道漫画应用了解剖学。

很多初学者常常会忽视知识系统的搭建，他们可能只临摹某个作者，或一直注重刻画细节，没有造型设计的概念，只知道用笔刷去怼。

有人说上网课只能变成复制人，我练习过程中也上过很多老师的课，为什么我没有变成复制人？因为我建立了自己的知识框架，会把那些老师画法特色嵌入自己的知识体系中。


大家如果想发展出特别的个人风格，我建议去研究和自己完全不同系统的绘画画法，直到能接近商业标准，再把这些画法运用到原创作品中，很可能就画出和大家都不一样的东西。

之前谁会想到能把水彩和数位结合？当我花时间整理出水彩的电绘画法后，由于这种风格在市场中很稀有，我就有了自己的风格。

最后，我建议大家每月拨出一定比例的经费和时间去做“研发”，我定的比例是15%。

如果你每月薪水是4000块，每月拿出15%，大概是600块，足够上单堂网课了。如果存半年，应该能上一个4-5个月的网络班。

每个月投资500块钱，如果能让你明年月薪涨到5000，就能把投资的钱赚回来。我自己是这样做的，也推荐你们这样做。

如今画师除了画画之外，最好还要掌握写作和写PPT做汇报的能力。因为画画的人表达能力都相对弱，表达能力稍微好一点的画师更容易脱颖而出。

Q：自由画师可以通过哪些途径谋生？

Krenz：第一接包，第二出自己的画册，出画册其实就是做自己的项目。之前我听一些在公司做项目的大大说，接包的画师没有项目概念，但其实画册就是项目。

如果你要出画册，要考虑怎么让读者第一眼就被吸引。我怎么做？封面先画美少女，多画头像，如果感觉对了，读者有可能拿起来翻甚至购买。如果你一开始就画一个双手抱胸的猛男，拿起来翻的人可能就少一半。

你要做自己的产品，不只是书，包括订阅、教育。你的作品要让一般人看得懂，不能只做高大上。这中间的操作不一定和画画相关，而是整体的策略。

我个人的策略是，在不脱离市场光谱太远的情况下，挖掘个人特色，具体分为三方面：表现技法、代表作、系列题材。


系列题材很重要，如果你想做自由插画师，那就找一个题目作为你的个人项目，画6到8张，或画一系列速写，用26天完成26张，这就叫系列作。

系列作和代表作的区别是什么？代表作要单张图厉害到大家都能记住你，这很难，但如果你画一系列蟑螂拟人，可能很快就被市场记住了。

我的策略就是不要脱离主流和二次元太远的情况下，找到自己的个人特色，然后用二次元让一般人能够看懂，但是写实基础要让专业人士认可。


作者：迪亚菠萝包
来源：游戏葡萄
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